Las tres vidas de la guitarra española (I)

Las tres vidas de la guitarra española (I)

Escrito por Ignacio Martínezmarido de nuestra compañera en España, Teresa Córdova y amante de la música.


Si hay un sonido que se identifica mundialmente con la música española, ese es el de la guitarra. Además, la guitarra, en todas sus variantes, es probablemente el instrumento musical más extendido sobre el planeta, el que cuenta con más aficionados. Vamos ahora a descubrir la historia de la guitarra, empezando por su predecesora, la vihuela, y continuando con sus vicisitudes posteriores, que incluyen sucesivos períodos de ‘letargo’ y ‘reencarnaciones’ como guitarra barroca, romántica y contemporánea.

Todos sabemos qué aspecto tiene una guitarra clásica.

La identificamos sobre todo por ser un instrumento de cuerda pulsada, con una caja de fondo plano, normalmente en forma de 8 y perforada por una abertura circular. Tiene un mástil dividido en trastes, que acaba en un clavijero donde se pueden tensar las cuerdas para afinarlas.

La vihuela una precursora aristocrática

El primer instrumento que se ajusta más o menos a esta descripción es la vihuela, que se originó en la Península Ibérica probablemente a finales del siglo XV, aunque la música que conservamos de ella data del XVI. La vihuela se diferencia de la guitarra actual por su tamaño, más pequeño, y por sus cuerdas, que estaban dispuestas en pares, u ‘ordenes’ que se tocaban a la vez, salvo la primera, más aguda, que era simple. Los órdenes variaban en número, siendo lo más habitual 6 o 7. En este vídeo, se aprecia bien el aspecto de una vihuela, según reconstrucción actual.

La vihuela se utilizó en el siglo XVI en España, América e Italia, y los músicos del Renacimiento la consideraban un instrumento caballeresco y refinado, invento del mismo dios Mercurio. Con ella se podían tocar elaboradas fantasías, adaptar obras polifónicas y acompañar madrigales.

José Miguel Moreno es el intérprete y musicólogo español que probablemente más ha contribuido en la investigación y difusión de la vihuela. A continuación, incluimos varias grabaciones suyas de obras para este instrumento. Son piezas contenidas en alguno de los 7 libros de música para vihuela que nos han llegado:

Pavana V, de Luis de Milán, Soneto VIII de Enríquez de Valderrábano, y 22 Diferencias sobre el Conde Claros, de Luis de Narváez

La siguiente pieza en nuestra Playlist de Spotify es la Fantasía que contrahaze la harpa en la manera de Ludovico, de Alonso de Mudarra es extraordinaria y no solo por su virtuosa belleza. La fantasía contiene una de las primeras ‘disonancias’ intencionadas de la historia de la música. Una disonancia es el efecto que se origina al utilizar dos notas que crean ‘tensión’, lo que coloquialmente expresaríamos como que ‘no pegan’ o ‘suenan mal’. En la partitura, Mudarra señala que la obra «es difícil de ser intendida» y en un lugar determinado advierte: «Desde aquí fasta açerca del final hay algunas notas falsas, que tañiendose bien no pareçen mal«. Si escuchamos con atención a partir del minuto 1,25 de la grabación, oímos claramente como la cuerda más grave va dando unas notas, que en principio ‘chocan’ con la melodía de las cuerdas más agudas, creando disonancias, pero efectivamente, como nos dice Mudarra «no pareçen mal«.

La última pieza con vihuela es un ejemplo de cómo se utilizaba este instrumento para acompañar a la voz. Es la obra anónima Al alba venid, de nuestro conocido Cancionero de Palacio, que recoge este poema amoroso de origen medieval.  

Esta obra me encanta, en su simplicidad tiene una belleza atemporal; es antigua, pero podría ser contemporánea. Me gusta tanto que os la dejo en dos interpretaciones

La primera es del dúo Dolce Rima. Merece la pena ver el vídeo para apreciar la elegancia de la vihuela y la forma de tañerla. La segunda, con dos voces,  vuelve a la interpretación de José Miguel Moreno, ahora con su agrupación Orphénica Lyra.

La guitarra barroca

La vihuela más pequeña, de 4 órdenes, era también llamada guitarra, y su uso era más popular. Se utilizaba a menudo, no punteando las cuerdas con los dedos, como en las piezas más refinadas de vihuela, sino pasando los dedos a la vez sobre todas las cuerdas, en estilo ‘rasgueado’. Este estilo era más sencillo de aprender y ejecutar, e ideal para acompañar canciones populares o tocar piezas de baile. No es de extrañar que su uso se extendiese y la guitarra, a la vez que ganaba tamaño y sonoridad con un quinto orden (cuerda), fuese desplazando a la vihuela hasta imponerse en el siglo XVII. Ya en 1611 Sebastián de Covarrubias, autor de uno de los principales diccionarios de la lengua española, se lamentaba de su amplia popularidad: «Aora la guitarra no es más que un cencerro, tan facil de tañer, especialmente en lo rasgado, que no hay moço de cavallos que no sea músico de guitarra

En este vídeo podemos apreciar bien el aspecto de la guitarra barroca y la introducción del estilo rasgueado en la ejecución, combinado con el punteo,  aunque las piezas, de Santiago de Murcia y Gaspar Sanz, tienen un estilo virtuoso y elaborado a la vez que popular.

Con el paso del tiempo la guitarra fue adoptada por músicos más sofisticados y su uso se extendió por las cortes europeas. Las princesas reales de España o Francia tenían profesores de guitarra y el mismo rey Carlos II de Inglaterra era un excelente guitarrista. El ‘ascenso social’ de la guitarra española queda patente en el famoso cuadro de Vermeer de Delft ‘Mujer tocando la guitarra’ de 1671.

Gaspar Sanz, fue en este sentido un compositor crucial, durante la segunda mitad del siglo XVII sistematizó en sus obras la forma de tocar la guitarra, sentando las bases de la práctica de las seis cuerdas que conocemos en la actualidad.

A continuación, dos de sus obras por el dúo de guitarra y percusión ‘Laberintos ingeniosos’, donde se aprecia su vivaz ‘estilo mixto’ que combina rasgueado y punteado. Son Canarios y Marionas por la B.

Además de la guitarra, otro instrumento característico del barroco español fue el harpa española, de hecho, muchas obras se podían tocar en uno u otro instrumento. De Lucas Ruiz de Ribayaz incluimos su Chaconas y Marionas, en interpretación del harpista Andrew Lawrence King.

Santiago de Murcia fue un compositor que posiblemente pasó tiempo en México y allí escribió composiciones con ritmos locales como este Cumbés, interpretado por Cristian Gutiérrez.

Veamos ahora unos ejemplos de cómo la guitarra podía integrarse es un conjunto vocal o instrumental, donde podía marcar la base rítmica. El primero es además una pieza muy divertida, se trata de ‘La Bomba’, una ensalada del XVI, de Mateo Flecha. Esta pieza relata la aventura de unos marineros sorprendidos por una tormenta, al ser rescatados deciden entonar un agradecimiento a la Virgen por su salvación. Tiene lugar entonces un diálogo musical muy gracioso en que afinan (templan) una guitarra antes de empezar. Merece la pena seguirlo con la letra:

Ea, ea, sus, empeçemos!/ empieçe tú, Gil Piçarra a tañir con tu guitarra/ y nosotros te ayudaremos./ Esperad que esté templada/ Tiemplala bien, hi de ruín./ Din di rin din…
Oh, como está destemplada!/ Acaba, maldito ya!/ Din di rin din…/ Es por demás!/ Sube, sube  un poco más!/ Din di rin din…/ Muy bien está!

Incluyo dos versiones, la primera versión está interpretada por el Euskal Barrokensemble, y es la más ‘teatral’, la segunda, por el conjunto Orphénica Lyra, es seguramente más armoniosa.

Para terminar esta primera entrega de la historia de la guitarra escucharemos otra vez a Orphénica Lyra, con unos Canarios de Antonio Martín i Coll. Como Santiago de Murcia, Martín i Coll trabajó hasta principios del s XVIII, momento a partir del que la guitarra española vivió cierto ocaso en la escena musical europea. Será ya en el s XIX cuando se inicie una segunda edad de oro de la guitarra, con la que empezaremos nuestra próxima entrada del blog.

Hasta entonces os dejó con un interesante recurso didáctico de la Fundación Juan March para conocer más de la historia de la guitarra.

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